Du 8 décembre 2022 au 30 avril 2023, la Fondation Cartier présente La Vallée, une grande monographie consacrée à la peinture de Fabrice Hyber. Dans ses toiles peintes « du bout des doigts », l’artiste français donne à voir le déploiement d’une pensée libre et vivante. Réunissant une soixantaine de toiles dont près de quinze œuvres produites spécifiquement pour l’exposition, Fabrice Hyber crée au sein de la Fondation Cartier pour l'art contemporain une école ouverte à toutes les hypothèses. Le visiteur est invité à traverser différentes salles de classe selon un parcours qui suit les méandres de la pensée de l’artiste.

Artiste, semeur, entrepreneur, poète, Fabrice Hyber est l’auteur d’œuvres prolifiques précisément répertoriées. Faisant fi des catégories, il incorpore dans le champ de l’art tous les domaines de la vie, des mathématiques aux neurosciences, en passant par le commerce, l’histoire, l’astrophysique, mais aussi l’amour, le corps et les mutations du vivant.

J’ai toujours considéré que mes peintures étaient comme des tableaux de classe, ceux sur lesquels nous avons appris à décortiquer nos savoirs par l’intermédiaire d’enseignants ou de chercheurs. On y propose d’autres mondes, des projets possibles ou impossibles. Dans cette exposition, j’ai choisi d’installer des œuvres à la place de tableaux d’une possible école. Fabrice Hyber

Dès 1975, Christo et Jeanne-Claude développent l’idée d’empaqueter le Pont-Neuf à Paris avec de la toile polyamide de couleur grès doré, qui recouvrirait les côtés et les voûtes des douze arches du pont, les parapets, les bordures et les trottoirs (le public devant pouvoir marcher sur la toile), ses quarante-quatre lampadaires, ainsi que les parois verticales du terre-plein de la pointe occidentale de l’Île de la Cité et l’esplanade du Vert-Galant.

L’exposition majeure consacrée à Christo et Jeanne-Claude retrace l’histoire de ce projet, 1975-1985, et revient sur leur période parisienne, entre 1958 et 1964, avant l’empaquetage de l’arc de triomphe prévu en 2021.

 

Christo

Package on a Table

(Empaquetage sur une table)

(1961)

 

Christo

Package

(Empaquetage)

(1961)

 

Christo

Store Front, Project

(Devanture de magasin, projet)

(1964)

 

Christo

Mur provisoire de tonneaux métalliques. Le Rideau de fer, rue Visconti, Paris, 27 juin 1962 (1962)

 

Christo

Purple Store Front (1964)

Le Musée d’Art Moderne de Paris consacre à Victor Brauner (1903-1966), figure singulière du surréalisme, une importante monographie regroupant plus d’une centaine d’œuvres, peintures et dessins, dont certaines montrées en France pour la première fois depuis la dernière rétrospective à Paris au musée national d’art moderne en 1972.

La perte de son œil en 1938 fait de son Autoportrait, peint sept ans auparavant, une œuvre prémonitoire : illustration des théories surréalistes, sa peinture revêt alors un caractère magique. La guerre va le contraindre, de par son statut de juif, sa situation irrégulière et son opposition à toute forme d’oppression fascistes et totalitaires, à entrer dans la clandestinité dans le sud de la France, ne pouvant émigrer aux États-Unis. Brauner invoque alors les doctrines les plus secrètes (tarot, alchimie, spiritisme, kabbale) pour se protéger de la France occupée en se réfugiant dans ce monde de rêve où la réalité n’a pas cours donnant à ses œuvres une dimension mystérieuse. Paradoxalement, cette période de frayeur et de dénuement matériel est d’une grande richesse d’invention techniques (l’usage de la cire et de matériaux de récupération) et de formes. 

L’après-guerre est marquée par une traversée de styles due à sa liberté recouvrée, sans atténuer les angoisses et les tourments des évènements qui l’entourent. D’autres influences se font sentir de la psychanalyse à la pensée sauvage à travers des cycles, comme les Victor de la série Onomatomanie, les Rétractés, puis Mythologies et Fêtes des mères. Il crée un langage nouveau pour donner à voir non pas le réel, mais les ressorts invisibles du monde.

Le catalogue présente de nouvelles analyses sur l’artiste avec des contributions d’écrivain et historiens d’art tels Georges Sebbag, Fabrice Flahutez, Radu Stern, Sophie Krebs, Camille Morando et Jeanne Brun. 

Conçue par le Musée d’Art moderne, cette exposition sera ensuite présentée à La Barnes Foundation à Philadelphie d’octobre 2020 à janvier 2021.

Commissaire : Sophie Krebs

Commissaires scientifiques : Jeanne Brun et Camille Morando

« À la faveur de l’installation d’un nouveau site de présentation de ma collection à la Bourse de Commerce, au cœur même de Paris, une nouvelle étape est franchie dans la mise en œuvre de mon projet culturel : partager ma passion pour l’art de mon temps avec le plus grand nombre."

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Première exposition consacrée en France à Artavazd Pelechian, La Nature, Les Saisons propose un dialogue inédit entre deux œuvres majeures du cinéaste : La Nature, son premier film depuis vingt-sept ans, et Les Saisons, ode au monde paysan réalisée en 1975. Fruit d’une commande passée en 2005 par la Fondation Cartier et le ZKM Filminstitut (Karlsruhe, Allemagne), La Nature est l’aboutissement de quinze années de travail d’un réalisateur à la filmographie aussi rare que célébrée. L’exposition permet de mettre en lumière cet artiste majeur du septième art et son œuvre lyrique aux accents parfois prophétiques.

Réunissant une communauté d’artistes, de botanistes et de philosophes, la Fondation Cartier pour l’art contemporain se fait l’écho des plus récentes recherches scientifiques qui portent sur les arbres un regard renouvelé.

Le Musée Maillol accueille plus d’une centaine d’oeuvres issues du monde passionnant, rêveur, insolite et inépuisable des artistes dit "naïfs". Appelés "primitifs modernes" par l’un de leurs fervents défenseurs, le collectionneur et critique d’art Wilhelm Uhde (1874-1947), ces artistes renouvellent la peinture à leur manière, à l’écart des avant-gardes et des académismes.

Réunies pour la première fois à Paris, leurs oeuvres aux couleurs éclatantes livrent un pan souvent négligé de l’histoire de l’art de l’entre-deux guerres. Sur les pas d’Henri Rousseau et de Séraphine Louis, l'exposition vise à sortir de l'oubli une constellation d'artistes tels qu’André Bauchant, Camille Bombois, Ferdinand Desnos, Jean Ève, René Rimbert, Dominique Peyronnet et Louis Vivin.

L’exposition, à travers un parcours thématique, soulignera les qualités picturales de ces artistes, au-delà de l’anecdote biographique qui a longtemps constitué le seul commentaire disponible sur eux. Une sélection d’oeuvres étonnantes et à contre-courant, issues d’importantes collections publiques et privées françaises et internationales révélera la grande inventivité formelle de chaque artiste, sans dissimuler les dialogues qu’ils entretiennent avec la tradition picturale comme avec la création de leur temps.

En croisant approches historique, analytique et sensible des oeuvres et de leur présentation au monde, le Musée Maillol lèvera le voile sur la dimension subversive de l’art dit naïf et présentera ces naïfs, primitifs, modernes ou antimodernes, comme des grands artistes à contre-courant des avant-gardes.

Commissariat : Jeanne-Bathilde Lacourt, conservatrice en charge de l’art moderne au LaM, Musée d’art moderne, d’art contemporain et d’art brut de Lille Métropole et Àlex Susanna, écrivain, critique d'art et commissaire d'expositions.

 

 

 

La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu’il mérite. L’exposition porte un nouveau regard sur l’ensemble de l’oeuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l’histoire de l’art. Hans Hartung fut un précurseur de l’une des inventions artistiques les plus marquantes de son temps : l’abstraction.

Acteur d’un siècle de peinture, qu’il traverse avec une soif de liberté à la mesure des phénomènes qui viennent l’entraver – de la montée du fascisme dans son pays d’origine l’Allemagne à la précarité de l’après-guerre en France et à ses conséquences physiques et morales – jamais, il ne cessera de peindre.

Le parcours de la rétrospective comprend une sélection resserrée d’environ trois cent oeuvres, provenant de collections publiques et particulières françaises et internationales et pour une grande part de la Fondation Hartung-Bergman. Cet hommage fait suite à l’acquisition du musée en 2017 d’un ensemble de quatre oeuvres de l’artiste.

L’exposition donne à voir la grande diversité des supports, la richesse des innovations techniques et la panoplie d’outils utilisés durant six décennies de production. Hans Hartung, qui place l’expérimentation au coeur de son travail, incarne aussi une modernité sans compromis, à la dimension conceptuelle. Les essais sur la couleur et le format érigés en méthode rigoureuse d’atelier, le cadrage, la photographie, l’agrandissement, la répétition, et plus surprenant encore, la reproduction à l’identique de nombre de ses oeuvres, sont autant de recherches menées sur l’original et l’authentique, qui résonnent aujourd’hui dans toute leur contemporanéité. Hans Hartung a ouvert la voie à certains de ses congénères, à l’instar de Pierre Soulages qui a toujours admis cette filiation.

L’exposition est construite comme une succession de séquences chronologiques sous la forme de quatre sections principales. Composée non seulement de peintures, elle comprend également des photographies, témoignant de cette pratique qui a accompagné l’ensemble de sa recherche artistique. Des ensembles d’oeuvres graphiques, des éditions limitées illustrées, des expérimentations sur céramique, ainsi qu’une sélection de galets peints complètent la présentation et retracent son itinéraire singulier.

Afin de mettre en relief le parcours d’Hans Hartung, en même temps que son rapport à l’histoire de son temps, cette exposition propose des documents d’archives, livres, correspondances, carnets, esquisses, journal de jeunesse, catalogues, cartons d’invitations, affiches, photographies, films documentaires, etc.

Figure incontournable de l’abstraction au XXe siècle, Hans Hartung ne se laisse pas pour autant circonscrire dans ce rôle de précurseur historique, car sa vision d’un art tourné vers l’avenir, vers le progrès humain et technologique, vient nous questionner aujourd’hui encore. Le parcours met en tension et en dialogue ces deux aspects complémentaires qui constituent le fil rouge de cette exposition.

En quelque cinquante œuvres rythmant le parcours de Christian Boltanski, cette ample traversée de l’œuvre d’une des plus grandes figures de la création de notre temps permet d’en mesurer l’ampleur et l’ambition marquées par son histoire personnelle et un demi-siècle de méditations sur la fonction et la parole de l’artiste dans nos sociétés.

Trente-cinq années se sont écoulées depuis la première exposition de Christian Boltanski au Centre Pompidou. Trente-cinq années qui ont vu l’œuvre se métamorphoser au cours des années 1980, lorsque l’artiste, délaissant le goût des archives et des inventaires qui l’avaient fait connaître comme l’une des figures majeures d’un art de la mémoire, commença de développer en de vastes installations et dispositifs, une œuvre en forme de leçons de ténèbres et de méditation sur la mort.
De ce passage entre « petites formes » et « grandes formes », « Faire son temps » veut ici rendre compte. Conçue par Boltanski lui-même comme une vaste déambulation au cœur de son œuvre, l’exposition se veut moins une rétrospective qu’une suite de séquences marquant les étapes et les métamorphoses de son propos. Ainsi des premières salles qui rappellent comment Boltanski, en autodidacte, conçut ses pièces fondatrices, à partir d’une réflexion sur la photographie et toutes formes de bricolage et reconstitutions touchant à l’enfance et au passé de tout être humain. Ainsi des installations fragiles composant des Théâtres d’ombres teintés de merveilleux et d’un attachement qui ne se démentira plus pour les arts de la scène. Ainsi des vastes environnements aux lumières chancelantes offrant à découvrir dans la pénombre de salles éclairées par les œuvres elles-mêmes, une réflexion en forme de recueillement sur la disparition dans l’anonymat comme sur les traces les plus fugaces qui soient.
Car, archéologue de sa propre histoire comme de celle de tout un chacun, Boltanski s’est au fil d’un demi-siècle de créations, métamorphosé en « mythologue ». Du récit de l’enfance à celui des contes et légendes qu’il découvre et réinvente aujourd’hui jusqu’au bout du monde, Boltanski a cherché à se défaire de lui-même pour se confondre à l’histoire des hommes. Vaste entreprise s’il en est, qui le conduit toujours plus loin, à la recherche non pas du temps perdu mais de terres inconnues, riches de récits qui se perdent dans la nuit des temps.
Christian Boltanski ne part plus désormais sur les seules traces réelles et fictives de sa propre vie. Il ne se décrit plus, pas plus qu’il ne cherche à faire l’inventaire ou le portrait d’un être en particulier. « Écrire, dit magnifiquement Maurice Blanchot, c’est se livrer au risque de l’absence de temps où règne le recommencement éternel. C’est passer du Je au Il, de sorte que ce qui m’arrive n’arrive à personne, est anonyme par le fait que cela me concerne, se répète dans un éparpillement éternel. »

Pour concevoir ce parcours mêlant toutes les formes et supports qui font son esthétique et font de l’exposition elle-même une œuvre en soi, Christian Boltanski aura voulu réunir certaines des pièces les plus emblématiques de son histoire : des Vitrines de références à L’Album de la famille D, des Habits de François C aux Reliquaires, des Théâtres d’ombres aux Monuments, des Réserves aux Tombeaux, du Cœur battant de Teshima aux âmes des morts d’Animitas, des Autels aux fantômes de Misterios, le parcours propose un « passé recomposé » dans lequel on ne pourra que songer en écho au beau texte d’Arlette Farge, sensible aux « vies fragiles » qui, dans Le Goût de l’archive, publié en 1989 avertit: « On ne ressuscite pas les vies échouées en archive. Ce n’est pas une raison pour les faire mourir une deuxième fois. L’espace est étroit pour élaborer un récit qui ne les annule ni ne les dissolve, qui les garde disponibles à ce qu’un jour, et ailleurs, une autre narration soit faite de leur énigmatique présence. »

C’est de cet « espace » que traite l’œuvre de Christian Boltanski. Ici, on comprend que le temps, sous tous ses aspects et les formes qu’il revêt, est son compère. « Départ » et « Arrivée », telles deux enseignes de gare ou d’une fête foraine fatiguée, interpellent le visiteur à l’entrée et à la sortie des méandres de l’exposition, lui rappelant sans doute que l’œuvre aide à permettre le voyage et oublier la destination. Dans cet intervalle, on suggérera ici qu’il appartient à chaque visiteur de savoir prendre et « faire son temps ».

Le musée Marmottan Monet organise, du 27 février au 5 juillet 2020, une exposition inédite intitulée « Cézanne et les maîtres. Rêve d’Italie ». Pour la première fois l’œuvre de l’aixois sera mise en regard de chefs-d’œuvre des plus grands maîtres italiens, du XVI^e au XIX^e siècle. Ainsi une exceptionnelle sélection de toiles de Cézanne dont l’iconique Montagne Sainte-Victoire, les incontournables Pastorale et natures-mortes, feront face à un rare ensemble de peintures anciennes signées Tintoret, Le Greco, Ribera, Giordano, Poussin, et pour les modernes Carrà, Sironi, Soffici, Pirandello sans oublier Boccioni et Morandi.

Riche d’une soixantaine de chefs-d’œuvre provenant des plus importantes collections publiques et privées du monde entier (musée du Louvre, d’Orsay, National Gallery of Art de Washington, collection Thyssen-Bornemisza de Madrid, Pola Museum de Kanagawa, Walker Art Gallery de Liverpool, …), la première partie du parcours mettra en évidence l’impact de la culture latine dans l’œuvre de Cézanne et la manière dont l’aixois s’est nourri de l’exemple de ses illustres prédécesseurs pour asseoir une peinture « nouvelle ». Forte de cette italianité, il n’est pas étonnant que l’expérience de l’aixois ait aussi marqué les artistes de la péninsule. La dernière section de l’exposition illustre ainsi l’influence décisive de Cézanne sur les grands maîtres du Novecento italien. Revisitant ses recherches, des œuvres de Carrà, Morandi, Boccioni, etc. soulignent la valeur intemporelle de l’œuvre de Cézanne, pivot de l’art du XX^e siècle.

À la rentrée 2018, le musée Maillol met à l’honneur l’artiste suisse Alberto Giacometti et propose, en collaboration avec la Fondation Giacometti, Paris, une relecture de son oeuvre en dialogue avec les grands sculpteurs classiques et les modernes de son époque.

L’exposition présentera plus de cinquante sculptures de l’artiste, toutes issues de la collection de la Fondation Giacometti, mises en regard avec près de vingt-cinq oeuvres d’autres artistes majeurs tels que Rodin, Bourdelle, Maillol, Despiau, mais aussi Brancusi, Laurens, Lipchitz, Zadkine, Csaky ou encore Richier.

Giacometti : d’un style à l’autre

À travers un parcours chronologique et thématique, l’exposition mettra en lumière les relations entretenues avec ces artistes à chacune des étapes de l’évolution du style de Giacometti. Le parcours proposera ainsi un éclairage nouveau sur la période méconnue d’avant-guerre : d’abord les oeuvres de jeunesse de Giacometti encore empreintes de modernité classique (Despiau, Maillol), puis une seconde section plus importante consacrée à la rencontre des avant-gardes parisiennes après 1925 (Zadkine, Lipchitz, Csaky).

La tentation de l’abstraction, en marge du surréalisme, sera éclairée par de riches comparaisons (Brancusi, Laurens). Le retour définitif à la figuration d’après modèle de l’artiste après 1935, permettra d’évoquer la formation de son style de la maturité. De manière thématique, l’exposition proposera de nombreuses comparaisons avec Rodin, Bourdelle et Maillol : motif de la tête, question du socle, inspiration de la Haute Antiquité.

Un dialogue entre les sculptures

Les grands thèmes de l’après-guerre (groupes de figures, femme debout et homme qui marche), seront évoqués depuis leur source dans le surréalisme avec la Femme qui marche (1932) jusqu’aux oeuvres iconiques des années 1950-60 comme La Clairière (1950), Femme de Venise III (1956), ou encore l’Homme qui marche II (1960). Les orientations formelles de Giacometti seront analysées de façon novatrice par la comparaison avec plusieurs artistes de référence, en particulier Rodin, et avec certains de ses contemporains comme Richier.

Le parcours sera enrichi d’une sélection d’arts graphiques et de documents d’archives. Faisant écho à l’atelier d’Aristide Maillol reconstitué au sein du musée, le mythique atelier parisien de Giacometti sera également évoqué par un ensemble de lithographies de l’artiste et des photographies prises par certains des plus grands photographes du XXe siècle tels que Brassaï, Denise Colomb, Sabine Weiss ou Herbert Matter.

Réunissant près de 150 oeuvres dont certaines inédites en France, couvrant 70 ans de création, cette rétrospective retrace l’évolution technique et stylistique de l’artiste.

Miró crée à partir de ses rêves et nous ouvre les portes de son univers poétique. 

Présentant des œuvres majeures de la photographe américaine de renommée mondiale Dorothea Lange (1895, Hoboken, New Jersey ; 1966, San Francisco, Californie), dont certaines n’ont jamais été exposées en France, l’exposition « Dorothea Lange. Politiques du visible » est articulée en cinq ensembles distincts. Ceux-ci mettent l’accent sur la force émotionnelle qui émane de ces photographies ainsi que sur le contexte de la pratique documentaire de la photographe. Plus d’une centaine de tirages vintage, réalisés de 1933 à 1957, sont mis en valeur par des documents et des projections qui élargissent la portée d’une œuvre déjà souvent familière au public grâce à des images emblématiques de l’histoire de la photographie comme White Angel Breadline (1933) et Migrant Mother (1936). Les tirages exposés appartiennent pour l’essentiel à l’Oakland Museum of California, où sont conservées les archives considérables de Lange, léguées par son mari Paul Schuster Taylor et sa famille.

À l’instar du célèbre roman de John Steinbeck paru en 1939, Les Raisins de la colère, l’œuvre de Dorothea Lange a contribué à façonner notre vision de l’entre-deux guerres aux États-Unis et à affiner notre connaissance de cette période. Mais d’autres aspects de sa pratique, qu’elle considérait comme archivistique, sont également mis en avant dans l’exposition. Resituant les photographies de Lange dans le contexte de son approche anthropologique, l’exposition offre au public la possibilité de comprendre que la force de ces images s’enracine également dans les interactions de la photographe avec son sujet, ce qui se manifeste à l’évidence dans les légendes qu’elle rédige pour accompagner ses photographies. Lange a ainsi considérablement enrichi la qualité informative de ses archives visuelles, produisant une forme d’histoire orale destinée aux générations futures.

En 1932, pendant la Grande Dépression débutée en 1929, Lange, observant dans les rues de San Francisco les chômeurs sans-abris, abandonne son activité de portraitiste de studio, la jugeant désormais inappropriée. Au cours de deux années qui marquent un tournant dans sa vie, elle photographie des situations qui décrivent l’impact social de la récession en milieu urbain. Ce travail novateur suscite l’intérêt des cercles artistiques et attire l’attention de Paul Schuster Taylor, professeur d’économie à l’université de Californie à Berkeley. Spécialiste des conflits agricoles des années 1930, et plus particulièrement des travailleurs migrants mexicains, Taylor utilise les photographies de Lange pour illustrer ses articles, avant que les deux ne travaillent ensemble à partir de 1935 au profit des agences fédérales instituées dans le cadre du New Deal. Leur collaboration durera plus de trente ans. Pendant la Seconde Guerre mondiale, Lange pratique sans discontinuer la photographie, documentant les problèmes majeurs de l’époque, notamment l’internement des familles nippo-américaines, les évolutions économiques et sociales imputables aux industries engagées dans l’effort de guerre, la justice pénale vue par le truchement du travail d’un avocat commis d’office.

Si les images emblématiques prises par Dorothea Lange durant la Grande Dépression sont bien connues, ses photographies des Américains d’origine japonaise internés durant la Seconde Guerre mondiale n’ont pas été publiées avant 2006. Présentées ici pour la première fois en France, elles illustrent parfaitement comment Dorothea Lange a créé tout au long de sa carrière des images aussi intimes qu’émouvantes visant à dénoncer les injustices et infléchir l’opinion publique.

Parallèlement aux tirages exposés, différents objets ayant appartenu à la photographe, notamment des planches-contacts, des carnets de notes prises sur le terrain et diverses publications, replacent son travail dans le contexte de cette période troublée. L’exposition du Jeu de Paume ouvre une nouvelle perspective sur l’œuvre de cette artiste américaine de renom, dont l’héritage demeure vivant aujourd’hui encore. Tout en soulignant les qualités artistiques et la force des convictions politiques de la photographe, elle invite le public à redécouvrir l’œuvre de Dorothea Lange et son importance capitale dans l’histoire de la photographie documentaire.



Commissaire : Drew Heath Johnson et Pia Viewing.

Cette exposition, proposée à l’occasion des vingt ans du mahJ, est la première présentée en France sur Sigmund Freud (1856-1939). Par un ensemble de 200 pièces – peintures, dessins, gravures, ouvrages, objets et dispositifs scientifiques –, dont des œuvres majeures de Gustave Courbet (L’Origine du monde), Oskar Kokoschka, Mark Rothko ou Egon Schiele, elle jette un regard nouveau sur le cheminement intellectuel et scientifique de l’inventeur de la psychanalyse

Commissariat : Jean Clair, Académie française

« C’est l’instinct qui prime d’abord ; c’est le plus important ; tout le reste vient plus tard ; alors on s’arme d’une logique qui pénètre chaque geste. » Ossip Zadkine, Entretien avec Jacques Charles, 16 septembre 1966 Le musée Zadkine rend un hommage inédit à l’artiste en soulignant sa place aussi originale que singulière au sein des modernismes du XXe siècle. L’exposition Ossip Zadkine, l’instinct de la matière met en lumière,à l’occasion du 130e anniversaire de l’artiste, son lien organique à la matière.

Après Être Pierre en 2017, poursuivant l’exploration des matérialités créatrices, le musée fait pénétrer le visiteur dans l’intimité du dialogue de Zadkine avec les différents matériaux qui sont à ses yeux des « puissances formelles ». Pour l’artiste russe (Vitebsk 1888 – Paris 1967), la matière est toujours « première ». Il sait, il sent qu’elle est porteuse d’une vocation formelle. L’exposition retrouve ce lien intime à la matière primordiale, aux formes en gestation : les veines et les nodosités du bois, la densité et les particules de la roche, la fluidité de l’encre ou de la gouache…

FERNAND KHNOPFF( 1859-1921), artiste rare, le maître du Symbolisme belge n’a pas bénéficié de rétrospective à Paris depuis près de quarante ans.

L’exposition rassemblera une centaine de pièces emblématiques de l’esthétique complexe de Fernand Khnopff, peintre, dessinateur, graveur, sculpteur et metteur en scène de son oeuvre. L’artiste joue avec les thèmes, du portrait aux souvenirs oniriques, du fantasme au nu, et invite à la rêverie et à une réflexion sur l’identité.

Les oeuvres majeures de Khnopff seront mises en regard avec celles d’artistes de son temps, de Gustave Moreau à Klimt et Von Stuck, permettant de le replacer dans le contexte de l’Europe fin-de-siècle.

Ainsi l’exposition tentera de recréer dans sa scénographie le parcours initiatique de sa fausse demeure qui lui servait d’atelier, comme celle du Palais Stoclet où se marièrent à Bruxelles les esthétiques belge et viennoise. Renonçant à la chronologie, elle abordera les grands thèmes qui parcourent son oeuvre, des paysages aux portraits d’enfants, des rêveries inspirés des Primitifs flamands aux souvenirs de Bruges-la-morte, des usages complexes de la photographie jusqu’aux mythologies personnelles, placées sous le signe d’Hypnos.

Commissaires :

Michel Draguet, directeur des Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique ; Christophe Leribault, directeur du Petit Palais ; Dominique Morel, conservateur général au Petit Palais

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente la première monographie dans une grande institution parisienne de l’artiste Thomas Houseago.

Au printemps 2019, le grand maître de la peinture danoise, Vilhelm Hammershøi (1864-1916) sera à l'honneur au Musée Jacquemart-André. Pour la première fois depuis 20 ans, les oeuvres mystérieuses et poétiques du peintre seront réunies à Paris.

Une rétrospective du maître de la peinture danoise

Découvert à Paris au Petit Palais en 1987 puis à Orsay en 1997, Hammershøi fascine par ses peintures représentant des intérieurs vides et subtils où figure parfois la silhouette d’une femme de dos, dans des gammes de gris et de blanc.

Les tableaux exposés évoqueront l’ensemble de l'oeuvre d’Hammershøi et son atmosphère profonde et mystérieuse. Peu sociable et taciturne, Hammershøi a passé sa vie entière dans un cercle restreint qu’il n’a eu de cesse de représenter : ses modèles sont sa mère, sa soeur, son frère, son beaufrère et quelques amis proches. Ses oeuvres représentent également Ida, son épouse, que l’on retrouve souvent de dos, dans nombre des intérieurs qui l’ont rendu célèbre.
Vous découvrirez également les liens d’Hammershøi avec la France, ses deux séjours à Paris et sa participation dans la même ville aux Expositions universelles de 1889 et de 1900.

Hammershøi face à son cercle proche

Le Musée Jacquemart-André abordera l’art d’Hammershøi dans une perspective nouvelle en illustrant ses liens avec les artistes de son entourage. Pour la première fois, cette rétrospective permettra de confronter les oeuvres d’Hammershøi avec des tableaux de son frère Svend Hammershøi, de son beau-frère Peter Ilsted et de son ami Carl Holsøe. Cette mise en regard soulignera leurs affinités, leurs différences et le génie singulier de Vilhelm Hammershøi, l’artiste de la solitude, du silence et de la lumière.

Des prêts exceptionnels

Une quarantaine d’oeuvres révéleront l’univers mystérieux et poétique de l’artiste. Des oeuvres inédites issues de la Ambassador John L. Loeb Jr. Danish Art Collection, rarement exposées lors des grandes rétrospectives internationales dédiées à Hammershøi, seront présentées pour la première fois en France.

L'exposition présentera également des prêts provenant de grands musées du Danemark et de Suède tels que le Statens Museum for Kunst et la Hirschprungske Samling de Copenhague, le Nationalmuseum de Stockholm et le Malmö Konstmuseum mais aussi du musée d'Orsay et de la Tate de Londres ainsi que de collections particulières. Des oeuvres majeures illustreront toutes les facettes du travail d’Hammershøi, des premiers portraits aux nus, en passant par les vues d'architecture et les paysages, et bien sûr l’extraordinaire série d’intérieurs aujourd'hui célèbre.

Préhistoire  

L’exposition montre comment dans ce grand moment de crise que l’on appelle « modernité », les artistes puis la société dans son ensemble ont subi l’attrait des « origines » et comment s’est ainsi constituée une vision fantasmée de « ce qui était avant l’Histoire ». Elle révèle que certains des plus importants artistes du 20e et du début du 21e siècle ont été hantés par la question de la « préhistoire » : Picasso, Miró mais aussi Cézanne, Klee, Giacometti, Ernst, Beuys, Klein, Dubuffet, Louise Bourgeois, Marguerite Duras, Robert Smithson, et, parmi nos contemporains, Giuseppe Penone, Miquel Barceló, Marguerite Humeau, Pierre Huyghe, Dove Allouche, etc. Parallèlement, par la présentation de nombreux documents, l’exposition montre que, pour nous, la « préhistoire » fonctionne comme une machine à remuer le temps. Les forces qui s’y exercent tirent leur fécondité de leurs contradictions mêmes : le besoin de déconstruction et le besoin de refondation ; la sortie de l’histoire et la plongée dans l’histoire ; le désir de révolution et la peur apocalyptique.

La préhistoire est une idée moderne : le mot lui-même ne se fixe qu’à partir des années 1860. La réalité « préhistorique » se construit progressivement au cours du 19e siècle, comme un bloc indissociable de faits, de réflexions et de fantasmes. On peut y distinguer trois grandes étapes :
- La prise de conscience du temps long de la vie, par l’analyse des fossiles (tournant du 18e et du 19e siècle)
- L'appréhension d’une « préhistoire » des cultures humaines, étroitement liée à l’idée d’une activité artistique (années 1860)
- La reconnaissance spécifique de l’art pariétal (tournant du 19e et du 20e siècle).

Au 20e siècle, l’impact de ce vaste corpus d’images, d’hypothèses et de spéculations est immense, autant sur l’imagination collective que sur la création individuelle. L’idée de « préhistoire » vient creuser profond dans nos imaginaires. La mise en évidence d’une terre sans hommes et d’un lent processus d’hominisation conduit à penser aussi la possible extinction de l’espèce humaine. Le passage de sociétés de chasseurs cueilleurs (le Paléolithique) à des sociétés agraires (le Néolithique) suscite des réflexions sur la prise de pouvoir de l’homme sur son environnement, menant jusqu’à l’ère industrielle. L’art « préhistorique », en particulier, ou du moins ce qu’on désigne comme tel se constitue non seulement en objet de fascination mais aussi en modèle concret pour des expérimentations artistiques de tous ordres.

Le parcours propose une progression chronologique, avec un préambule remontant au tournant du 19e et du 20e siècle (Redon, Cézanne), un noyau central allant des années 1930 (Picasso, Miró, Giacometti, Ernst, etc.) à la fin des années 1960 (Louise Bourgeois, Beuys, Smithson, etc.) et une dernière partie contemporaine. Au sein de cette progression, la réflexion et le regard des spectateurs sont orientés sur différents thèmes : l’épaisseur du temps, la terre sans les hommes, hommes et bêtes, gestes et outils, la caverne, néolithiques, présents historiques. L’ensemble est ponctué par la présentation d’œuvres préhistoriques iconiques du paléolithique et du néolithique : fossiles, sculptures paléolithiques majeures (dont la Vénus de Lespugue et le Mammouth de la Madeleine), pierres gravées, silex taillés ou polis, menhirs, idoles néolithiques.
Enfin, en parallèle, un fil culturel est déroulé permettant d’évoquer l’invention de la préhistoire et sa diffusion populaire (relevés de fouilles, romans « préhistoriques » comme La Guerre du feu, films culte de cette mythologie des origines comme The Lost World, 2001 l’Odyssée de l’espace, Jurassic Park…). Le projet a bénéficié du soutien exceptionnel du Musée de l’Homme (Muséum national d’histoire naturelle), du Musée des Antiquités nationales et du Musée national de la préhistoire.                     

Le Musée d’Art moderne de la Ville de Paris propose une exposition inédite explorant la relation entre trois artistes majeurs du XXe siècle: Derain, Balthus et Giacometti. Avec près de 350 œuvres, elle retrace les moments marquants de cette amitié artistique. Leur rencontre en 1933 et l’intensification de leurs relations à partir de 1935 vont démultiplier les croisements entre leur vie et leurs œuvres. Bien au-delà d’une admiration réciproque et d’une véritable affection dont ils témoigneront tout au long de leur propre vie, c’est une profonde communauté esthétique qui les réunit.

De nombreux fils conducteurs marquent les séquences de l’exposition : le voyage d’Italie, la fascination pour le ≪ métier ≫ ; le regard culturel et le ≪retour au musée≫ par lequel les trois artistes jouent des codes de représentation, des styles et des techniques : clarté formelle, clair-obscur, mais aussi, théâtralisation, et ≪ invention d’un pathétique ≫. Selon un parcours chronologique et thématique, sont montrés les grands paysages et natures mortes, mais aussi les portraits croisés : acteurs, collectionneurs, amis, galeristes communs et modelés. Enfin, une large séquence regroupe les œuvres de l’après-guerre où s’inscrivent les doutes et les obsessions d’un monde vacillant.

Le Centre Pompidou, la Tate Britain et le Metropolitan Museum s’associent pour organiser une rétrospective de l’œuvre de l’artiste britannique David Hockney. Première rétrospective systématique de l’œuvre de David Hockney organisée depuis 1988 au LACMA de Los Angeles, l’exposition du Centre Pompidou retrace l’ensemble de son parcours artistique, de ses œuvres de jeunesse à ses œuvres récentes (série de portraits réalisés en 2015), en passant par l’école d’art de Bradford.
L’exposition explore les cinquante années de la carrière de l’artiste, mettant l’accent sur les peintures des années soixante et soixante-dix, incluant celles qui ont contribué à la popularité de son œuvre (série des Piscines californiennes, de ses grands double portraits). Le parcours de l’exposition est ponctué de cabinets présentant ses plus importantes séries graphiques (reportage en Egypte de 1963, série d’autoportraits de 1983…).Plusieurs salles de cette rétrospective évoquent l’insatiable curiosité de David Hockney pour les technologies modernes appliquées à la production des images, dont la palette graphique des tablettes numériques avec lesquelles il réalise des images depuis 2010. Des œuvres de jeunesse du milieu des années cinquante, aux portraits et paysages récent, la rétrospective du Centre Pompidou (la plus importante réalisée à ce jour), retrace le parcours d’un peintre dont l’œuvre se nourrit d’un dialogue permanent avec la diversité des images de son temps.
                                                                                                       Curator : Mnam/Cci, Didier Ottinger

La révolte artistique Dada qui naît à Zurich au cœur de la tourmente de la Grande Guerre en 1916 exprime un rejet des valeurs traditionnelles de la civilisation qui auraient conduit au désastre de cette période. Dans ce cadre, une réévaluation d’autres systèmes de pensée et de création s’opère et conduit de nombreux artistes d’avant-garde à se pencher et à s’approprier des types de productions artistiques radicalement autres. Pour la première fois, et en coopération avec le Musée Rietberg de Zurich et la Berlinische Galerie, une exposition est consacrée à la confrontation des dadaïstes avec l’art et la culture de pays extra-européens. Les mises en scène des «Soirées nègres» au Cabaret Voltaire, faisant appel à tous les sens, associant musique, poésie et danse, s’attaquent à la notion même de l’art et remettent en cause les valeurs artistiques ayant cours jusqu’alors. Dès 1917, la galerie Coray  à  Zurich  expose côte à côte des objets africains avec des œuvres  dadaïstes.  La  même  année,   Tzara écrit   sa  « Note sur l’art nègre », publiée dans la revue SIC où il affirmait « du noir puisons la lumière ». Les masques de Marcel Janco, les costumes de Sophie Taeuber-Arp, les collages de Hannah Höch ou encore les œuvres collectives refusant la notion d’auteur témoignent de ces recherches pour un nouveau langage formel. Cette exposition pluridisciplinaire permettra de confronter des œuvres extra-occidentales à la fois africaines mais aussi amérindiennes ou encore asiatiques aux productions dadaïstes mettant en lumière des processus d’échanges et d’appropriation par ces artistes. Les peintures, sculptures, photocollages, photographies dada seront mêlés aux sculptures extra-occidentales dans des jeux de résonnances appuyés par la mise en scène scénographique de l’exposition. L’étape parisienne mettra également en lumière le terreau fertile préexistant dans la capitale française pour les arts extra-européens et la manière dont cela a pu nourrir le mouvement. Ainsi, l’exposition trouve-t-elle toute sa place au musée de l’Orangerie, en mettant en avant les liens du galeriste Paul Guillaume avec les acteurs gravitant autour de dada et autour de l’art africain à cette époque. L’étape de l’Orangerie ouvrira d’ailleurs sur l’importance que ce sujet a pu revêtir dans la genèse des liens du mouvement surréaliste avec les arts extra-occidentaux. 

Paul Gauguin (1848-1903) est l’un des peintres français majeurs du XIX^e siècle et l’un des plus importants précurseurs de l’art moderne. L’exposition du Grand Palais retrace son étonnante carrière, dans laquelle il a exploré les arts les plus divers : peinture, dessin, gravure, sculpture, céramique, etc. Les chefs-d’œuvre réunis mettent en avant le travail de l’artiste sur la matière ainsi que son processus de création : Gauguin va bâtir son art sur la répétition de thématiques et de motifs récurrents.


Exposition organisée par l’Art Institute of Chicago, l’Etablissement public des musées d’Orsay et de l’Orangerie et la Réunion des musées nationaux-Grand Palais, Paris.

 L'exposition bénéficie du soutien de Mazars, de Nexity, d’Art Mentor Foundation Lucerne, et du Palais des Thés.

Comme pour Entrée des médiums, en 2012, en s’ancrant dans la vie de Victor Hugo – la folie qui frappe son frère Eugène et sa fille Adèle –, l’exposition propose d’explorer la constitution d’un nouveau territoire de l’art. C'est l'occasion de présenter des collections d’œuvres d'internés constitués au cours du XIXe siècle par 4 psychiatres qui ont récupéré souvent en cachette, les œuvres des internés qu'ils suscitent parfois à des fins « d’art-thérapie ».

Ils en seront les premiers collectionneurs, les premiers  «critiques», leur souci de diagnostic et d’étude s’ouvrent sur la conscience. Refusant l’imagerie de la folie et sa mise en spectacle des troubles mentaux, l’exposition entend ne montrer que l’œuvre des malades et leur rendre hommage, en tant qu’artistes, comme elle rend aussi hommage aux psychiatres. Le parcours de visite, organisé de façon chronologique à travers quatre grandes collections européennes, met en lumière les œuvres les plus anciennes et peu ou pas vues en France.

Collection du Dr Browne
Fondé à Dumfries, en Écosse, en 1838, le Crichton Royal Hospital fut une institution pionnière en matière d’art thérapie. William A. F. Browne (1805-1885) y a réuni de 1838 à 1857 une importante collection des productions des patients, aujourd’hui conservée par les archives de Dumfries et du Galloway.
Collection du Dr Auguste Marie
Très tôt, Auguste Marie (1865-1934) porta attention aux travaux des malades, encourageant à la fois leur créativité et l’activité même de collection, en particularité lorsqu’il fut en poste à Villejuif, où il est nommé en 1900. Sa collection fut dispersée, mais une partie essentielle fut acquise par Jean Dubuffet et se trouve aujourd’hui à la Collection de l’Art Brut à Lausanne.

Collection Walter Morgenthaler
Conservée au Psychiatrie-Museum de Berne, cette collection est issue de l’asile de la Waldau (die Bernische kantonale Irrenanstalt Waldau), rendu célèbre par la présence de personnalité comme Robert Walser et surtout Adolf Wölfli reconnu comme une figure tutélaire de l’Art Brut. Le Dr Walter Morgenthaler (1882-1965) dirigea l’institution de 1913 à 1920.

Collection Prinzhorn
Commencée dès la fin du XIXe siècle à l’hôpital psychiatrique de l’Université de Heidelberg cette collection est devenue mythique par le livre publié à partir de son étude, en 1922, par Hans Prinzhorn (1886-1933), Expressions de la Folie, qui eut une grande influence sur les artistes d’avant-garde. C’est aussi dans cette collection que les nazis ont puisé les œuvres incluses dans l’exposition d’art dégénéré en 1937.Comme pour Entrée des médiums, en 2012, en s’ancrant dans la vie de Victor Hugo – la folie qui frappe son frère Eugène et sa fille Adèle –, l’exposition propose d’explorer la constitution d’un nouveau territoire de l’art. C'est l'occasion de présenter des collections d’œuvres d'internés constitués au cours du XIXe siècle par 4 psychiatres qui ont récupéré souvent en cachette, les œuvres des internés qu'ils suscitent parfois à des fins « d’art-thérapie ».

Ils en seront les premiers collectionneurs, les premiers  «critiques», leur souci de diagnostic et d’étude s’ouvrent sur la conscience. Refusant l’imagerie de la folie et sa mise en spectacle des troubles mentaux, l’exposition entend ne montrer que l’œuvre des malades et leur rendre hommage, en tant qu’artistes, comme elle rend aussi hommage aux psychiatres. Le parcours de visite, organisé de façon chronologique à travers quatre grandes collections européennes, met en lumière les œuvres les plus anciennes et peu ou pas vues en France.

Collection du Dr Browne
Fondé à Dumfries, en Écosse, en 1838, le Crichton Royal Hospital fut une institution pionnière en matière d’art thérapie. William A. F. Browne (1805-1885) y a réuni de 1838 à 1857 une importante collection des productions des patients, aujourd’hui conservée par les archives de Dumfries et du Galloway.
Collection du Dr Auguste Marie
Très tôt, Auguste Marie (1865-1934) porta attention aux travaux des malades, encourageant à la fois leur créativité et l’activité même de collection, en particularité lorsqu’il fut en poste à Villejuif, où il est nommé en 1900. Sa collection fut dispersée, mais une partie essentielle fut acquise par Jean Dubuffet et se trouve aujourd’hui à la Collection de l’Art Brut à Lausanne.

Collection Walter Morgenthaler
Conservée au Psychiatrie-Museum de Berne, cette collection est issue de l’asile de la Waldau (die Bernische kantonale Irrenanstalt Waldau), rendu célèbre par la présence de personnalité comme Robert Walser et surtout Adolf Wölfli reconnu comme une figure tutélaire de l’Art Brut. Le Dr Walter Morgenthaler (1882-1965) dirigea l’institution de 1913 à 1920.

Collection Prinzhorn
Commencée dès la fin du XIXe siècle à l’hôpital psychiatrique de l’Université de Heidelberg cette collection est devenue mythique par le livre publié à partir de son étude, en 1922, par Hans Prinzhorn (1886-1933), Expressions de la Folie, qui eut une grande influence sur les artistes d’avant-garde. C’est aussi dans cette collection que les nazis ont puisé les œuvres incluses dans l’exposition d’art dégénéré en 1937.

Il y a vingt ans mourait César, l’un des plus illustres et des plus méconnus artistes de son temps. Illustre, il l’avait été à l’âge de 25 ans, lorsque, « monté » à Paris en 1944, il avait mis au point sa technique des « fers soudés ». Méconnu, il l’était : la faconde et la manière d’être affichées en public cachaient une difficulté à se satisfaire des seules œuvres qui avaient fait son succès.
Loin d’être l’homme des « Fers soudés », « Compressions », « Empreintes » et « Expansions », César était resté attaché à une idée de la sculpture peuplée d’un bestiaire et de figures humaines qu’il voulait à l’égal de celles des maîtres admirés. Moderne, César l’avait été à l’instar des Nouveaux Réalistes, rejoints en 1960. Inventif, guidé par la seule logique du matériau, attaché à incarner son temps, il rejouait son œuvre en gestes novateurs et décisifs qui firent sa notoriété. Métamorphosant le langage et la pratique de la sculpture, il revenait toujours aux techniques inventées lorsque, sans le sou, il soudait fragments et déchets de métal récupérés. Portées par la mythologie du récit de leur conception, Le Poisson, La Vénus de Villetaneuse, La Ginette en étaient les icônes. Elles incarnaient ce rapport intime à la création, une praxis qui ne déléguait rien à la machine et ne devait qu’au pouvoir de ses mains. Plus tard, Le Centaure, en hommage à Picasso, l’occupa avec passion. César avait aussi le goût du monument.
De cette opposition entre un faire artisanal et une pratique fondée sur le pouvoir de la machine et des techniques industrielles, César fit une dialectique, un va-et-vient, une méthode, ouvrant ce que son ami Raymond Hains appelait des « chantiers », y revenant sans cesse, s’inventant des outils, poussant plus loin sa curiosité. César, devant ses « Enveloppages » de feuilles de Plexiglas, ses « Championnes » faites de carcasses de voitures accidentées, devant sa « Suite milanaise » de voitures neuves compressées et laquées, se nourrissait de ses expériences, les rejouant en autant d’exercices, guidé par une réflexion sur le langage de la sculpture, à l’ère des temps modernes. À Cluny en 1996, il s’évertuait encore « à refaire des choses nouvelles ».

Né dans le Paris de Saint-Germain-des-Prés et de Montparnasse de l’après-guerre, son œuvre était une perpétuelle remise en question, dans une veine n’ignorant rien de celles de Picasso, Giacometti, Germaine Richier… Les moments décisifs – qui donnèrent à son travail une tournure inégalée et lui firent inventer parmi les grands paradigmes de la sculpture du 20e siècle – auront été rythmés d’œuvres pérennisant une idée du métier que César lui-même avait contribué à faire disparaître.
De cette complexité, reste une œuvre magnifique et inimitable, même si certains ont tôt fait de vouloir la comparer à d’autres, américaines pour la plupart… Le temps aura passé et avec lui, celui de juges qui se plaisaient à critiquer l’homme et refusaient de donner à César la place essentielle que cette rétrospective entend révéler.

Première rétrospective, depuis l’exposition de 1975-1976 au Solomon R. Guggenheim Museum de New York et au Kunsthaus de Zurich, et celle de 1989 au musée d’art moderne de la ville de Paris, elle couvrira l’ensemble de l’œuvre de l’artiste, de ses débuts marqués par le symbolisme jusqu’à ses dernières réalisations dans les années cinquante. Grâce au parcours européen de Kupka, enraciné dans sa Bohème natale, formé dans la Vienne fin de siècle et dans le Paris des avant-gardes, l’exposition conduira à une nouvelle approche de deux courants majeurs des XIXe et XXe siècles, le symbolisme et l’abstraction, dont Kupka fut un des principaux acteurs. 

L’exposition du Musée d’Art moderne de la Ville de Paris est la première grande exposition consacrée à Zao Wou-Ki (1920-2013) en France depuis quinze ans.

Le Centre Pompidou consacre une grande exposition à la Beat Generation, mouvement littéraire et artistique qui a révolutionné la culture des États-Unis des années 40 aux années 60.

"Rien derrière et tout devant, comme toujours sur la route" : cette célèbre phrase de Jack Kerouac (dans Sur la route) pourrait résumer à elle tout seule l'essence même de la Beat Generation, née aux débuts des années 40 aux États-Unis et qui a tout bouleversé sur son passage : c’est Jack Kerouac accompagné des écrivains William Burroughs et Allen Ginsberg, qui a lancé le mouvement de la Beat Generation, un jour de 1944 à New York, à l'université de Columbia. De la poésie à l'art de la performance en passant par la littérature et la photographie, la Beat Generation a marqué un tournant dans l'histoire de la création en proposant de mélanger les arts, pour produire des oeuvres complètes.

On découvrira les liens de la Beat Generation avec la poésie noire, avec la musique jazz, les artistes plasticiens les plus célèbres du mouvement (Wallace Berman, Bruce Conner, George Herms, Jay DeFeo) ainsi que l'étendue mondiale de la Beat Generation.

L’exposition « Picasso-Giacometti », (respectivement 1881-1973 et 1901-1966) organisée au Musée national Picasso-Paris entre octobre 2016 et janvier 2017, en collaboration avec la Fondation Alberto et Annette Giacometti à Paris, mettra en lumière les relations formelles, amicales ou iconographiques qu’ont pu entretenir ces deux artistes majeurs du 20e siècle.

Ce dialogue est envisagé à partir des collections du Musée Picasso et de la Fondation Giacometti et confrontera l’approche qu’ont pu avoir Picasso et Giacometti dans des domaines de création pluridisciplinaires : peinture, sculpture, art graphique, mais aussi à l’appui des fonds d’archives privées des deux artistes.

Le MAM consacre une monographie au peintre « humaniste » Bernard Buffet (1928-1999) célèbre mais controversé. A travers une sélection d’une centaine de peintures, l’exposition propose une relecture approfondie de l’ensemble de son oeuvre du milieu des années 40 à 99, l’année de son suicide.

Le parcours mettra en perspective ses grands thèmes : clowns, cycles religieux, mythologies, littéraires ou allégoriques. L’accent sera mis sur ses grandes séries (la très spectaculaire dernière série sur les memento mori médiévaux), sur l’histoire de la peinture et la radicalité de ses positions.

Le Bauhaus, de 1919 à 1933, à Weimar, Dessau puis Berlin, fut une école d’un genre nouveau où peintres, architectes, artisans, ingénieurs, acteurs, musiciens, photographes, designers travaillent ensemble à une nouvelle conception de la vie quotidienne : rendre vie à l’habitat par la synthèse des arts plastiques, de l’artisanat et de l’industrie. Le Bauhaus surmonte ses apparentes contradictions car c’est avant tout l’esprit de l’école qui importe.

Le musée des Arts décoratifs rend hommage à cet esprit : esprit d’invention, de liberté, de création, de transmission que les grands artistes, architectes et designers qui l’ont fréquenté ont ensuite propagé tout au long du XXe siècle., abolissant toutes frontières entre art et artisanat... À cet ensemble d’œuvres sources dialoguent de nombreuses pièces historiques du Bauhaus, mais aussi celles qui aujourd’hui en découlent. La vie quotidienne au Bauhaus, la transmission du savoir dans ses ateliers et l’organisation de la communauté artistique servent de fils directeurs à cette exposition.

"Peintre belge (1898-1967) majeur, surréaliste: ses objets jockey, feuillages, pions, rideaux, sa méthode de prédilection : différentes échelles, échange de qualités entre les règnes. Sa peinture est une représentation du théâtre de la pensée « inspirée » (joue avec les apparences et le visible), pour en donner des versions surprenantes, poétiques et dérangeantes d’une « inquiétante étrangeté »…

L’exposition rétrospective Carl Andre – Sculpture as place, 1958-2010 – porte sur l’œuvre de l’un des artistes les plus radicaux du XXe siècle. Organisée de manière plutôt chronologique, elle révèle comment à partir d’éléments standards ou de mots, il redéfinit la sculpture à l’aide de matériaux industriels bruts comme un lieu, à vivre et éprouver, et la poésie en employant les mots pour leur valeur aussi bien sémantique, sonore que formelle. Né en 1935 à Quincy, dans le Massachusetts, aux Etats-Unis, principal artiste du minimalisme (avec Donald Judd et Dan Flavin), il a marqué l’art depuis les années soixante, notamment l’art conceptuel et le Land art et continue d’être une référence aujourd’hui.

Karel Appel

D’une ampleur inédite, cette première rétrospective complète de l’œuvre de l’artiste américain Cy Twombly est construite autour de trois grands cycles : Nine Discourses on Commodus (1963), Fifty Days at Iliam (1978) et Coronation of Sesostris (2000). L’exposition retrace l’ensemble de la carrière de l’artiste à travers un parcours de cent quarante peintures, sculptures, dessins et photographies. De ses premiers travaux du début des années 1950, marqués notamment par le graffiti et l’écriture, à ses compositions des années 1960, de sa réponse à l’art minimal et conceptuel des années 1970 à ses dernières peintures, cette rétrospective souligne l’importance des cycles et des séries dans lesquels Cy Twombly réinvente la peinture d’Histoire. Salué comme l’un des plus importants peintres de la seconde moitié du 20e siècle, Twombly « syncrétise » l’héritage de l’expressionisme abstrait américain et les origines de la culture méditerranéenne

Artiste américain (1927) qui pratique une forme de « street art » poétique, prend ses « sources dans le passé », le primitif, le rituel, le fétiche. Il fait des dessins et toiles » graffitis/émotions ; tantôt écriture automatique, tantôt plus narratif. Il pratique aussi la sculpture depuis 76, abstraites, organiques, qui évoquent des objets du quotidien.

Vincent van GoghLe Semeur© Van Gogh Museum, Amsterdam (Vincent van Gogh Foundation)

Rechercher un ordre situé au-delà des apparences physiques, dépasser les réalités matérielles pour approcher les mystères de l'existence, expérimenter l'oubli de soi-même dans l'unité parfaite avec le cosmos… L'expérience mystique a tout particulièrement inspiré les artistes symbolistes de la fin du XIXe siècle qui, en réaction au culte de la science et au naturalisme, ont choisi de suggérer l'émotion et le mystère.
Le paysage apparaît alors aux artistes comme le support privilégié de leur quête, lieu par excellence de la contemplation et de l'expression des sentiments intérieurs.

Ainsi, l'exposition, organisée en partenariat avec l'Art Gallery of Ontario de Toronto, explore le genre du paysage, à travers les oeuvres de Paul Gauguin, Maurice Denis, Ferdinand Hodler, Vincent Van Gogh notamment, mais présente aussi des peintres d'Amérique du Nord comme Giorgia O'Keeffe ou Emily Carr, moins connus du public français.
La contemplation, l'épreuve de la nuit ou de la guerre, la fusion de l'individu dans le cosmos, l'expérience des forces transcendantes de la nature : autant d'étapes d'un cheminement mystique que l'exposition suggère de parcourir

Entrer en contact avec un ordre situé au-delà des apparences physiques, dépasser les réalités matérielles pour approcher les mystères de l'existence, expérimenter l'oubli de soi-même dans l'unité parfaite avec le cosmos : toutes ces quêtes caractérisent le mysticisme, phénomène spirituel présent en parallèle de toutes les religions, sur tous les continents. Pourquoi ne pas en reconnaître la présence dans la peinture symboliste occidentale qui, au crépuscule du XIXe siècle, cherche précisément à élever l'art au rang de médium de l'ineffable, et l'artiste au grade d'initié ?

Préparée en collaboration avec l'Art Gallery of Ontario de Toronto, l'exposition se propose d'enquêter sur la part mystique du paysage symboliste. En Occident, le paysage est reconnu depuis la Renaissance, et plus encore depuis l'époque romantique, comme le genre pictural réputé rendre possible la traduction formelle de sentiments intérieurs et introduire le spectateur à des expériences spirituelles immédiates non formulables par le langage, tout en prenant pour base la représentation d’un environnement naturel stable, mesurable et familier. L'élévation vers l'infini, l'épreuve de la nuit, la quête de lumière, la recherche de fusion de l'individu dans le tout, l'expérience des forces transcendantes de la nature : ces situations, à la fois sensibles et spirituelles, recherchées ou éprouvées tant par le peintre de paysage symboliste que par le spectateur de ses oeuvres, s'apparentent aux étapes du cheminement mystique.

La sélection d'oeuvres comprend des paysages de Gauguin, Denis, Monet, Hodler, Klimt, Munch, Van Gogh, mais aussi des principaux représentants de l'école canadienne des années 1920-1930, tels Lawren Harris, Tom Thomson ou Emily Carr. Traditions mystiques laïques, catholiques et protestantes entreront ainsi en dialogue, tout comme le rapport à la nature avant et après le cataclysme de la Première Guerre mondiale. 

Photograpghie contemporaine / photographe (° 52) « de la peau, sujets de prédilection : la nudité et la question du genre…

Peinture et sculpture contemporaine /(°1945) Après la grande rétrospective de Gerhard Richter en 2012, c'est un tout autre pan de « l'école allemande » qui s'exprime dans cette œuvre sombre et vertigineuse, taraudée par l'Histoire. Empâtements houleux, paysages carbonisés, inscriptions, objets rouillés accrochés à la toile, références à la Seconde Guerre mondiale, à Wagner, aux Romains, aux légendes nordiques... Environ 80 tableaux réalisés entre les années 1960 et aujourd'hui, accompagnés d'installations, de bouquins et de sculptures, nourriront cette rétrospective de celui qui se perçoit, au fond, « comme un romantique, dans le sens philosophique du terme »

Peinture post-impressionniste/ Le remarquable ensemble réuni par les époux Hedy et Arthur Hahnloser figure au premier rang des collections privées. Installé à Winterthour, non loin de Zurich, c’est entre 1906 et 1936 que ce couple suisse constitue une collection unique en son genre pour orner sa demeure, la Villa Flora. Près de 80 chefs-d’œuvre par Bonnard, Cézanne, Manet, Manguin, Matisse, Marquet, Renoir ou encore Vallotton, Vuillard et Van Gogh seront présentés dans l’hôtel particulier de Paul Marmottan

Photographie moderne/ Germaine Krull (1897-1985) est une photographe, très connue pour sa participation aux avant-gardes des années 1920-1940, et l’une des femmes-photographes les plus célèbres. Le parcours proposé par l’exposition concernera principalement la période de pleine activité photographique 1926-1933, en évoquant aussi son travail au service de la France Libre, jusqu’en 1945 et la période ultérieure, lorsqu’elle vit en Asie. Les thèmes propres à Germaine Krull, qui sont aussi symptomatiques de son rôle moderniste : l’architecture métallique, le nu féminin, les vues urbaines, les « documents de la vie sociale » (les clochards, la zone, les halles, les bals, les métiers),la femme et la condition féminine, la route…

Peinture et autres media/ exposition exceptionnelle autour des « shadows »de 700M2 et de 130 m de long, chef d’œuvre peu connu qui synthétise les questions qui traversent toute l’œuvre de l’artiste pop (28-87), mis en regard avec des oeuvres plus anciennes, autour du thème de la répétition( les fleurs, Elvis, chaises élelectriques) et de la variation (les autoportaits), des œuvres abstraites, des films, des papiers peints